Bienvenue sur À l’affiche - un regard sur la musique, le cinéma et le théâtre, un blog pour les passionnés des arts. Le mot juste en anglais (LMJ), le blog que j’ai lancé en 2010, aura désormais deux frères cadets : celui-ci, À l’affiche, et CLIO la muse de l’histoire, un blog pour les passionnés de l'histoire. Vous pouvez accéder à Clio et à LMJ en cliquant sur leurs titres dans l’espace jaune ci-dessous.
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Nous accueillons notre nouvelle contributrice, Danielle Guérin-Rose, auteure du livre « Oscar Wilde » (Qui-suis-je ? Édition Pardès 2014). Avec son mari, David Charles Rose, irlandais comme Oscar, elle vit en Charente Maritime après avoir habité Paris pendant de longues années. David publie un journal en ligne "The Oscholars", centré sur Wilde et son cercle. Il est l’auteur d’Oscar Wilde's Elegant Republic: Transformation, Dislocation and Fantasy in fin-de-siècle Paris, publié chez Cambridge Scholars Publishing, en 2015.
L'un et l'autre sont deux des quatre passionnés qui ont fondé en 2008 la Société OSCAR WILDE (cotisation annuelle 15 euros), une association indépendante placée sous la loi de 1901. La Société a pour ambition d’encourager et de promouvoir les études wildiennes et de valoriser la réputation d’Oscar Wilde en France.
A Paris, ils ont également organisé diverses manifestations, comme les "Wilde days in Paris", au centre culturel Irlandais en juin 2014, avec un colloque international et quatre représentations théâtrales. A Royan, où ils vivent maintenant, ils ont participé, pendant quatre saisons, à la mise en œuvre d'un festival de littérature irlandaise, "Vent d'Irlande".
Dans la photo ci-dessous, le couple se trouve devant la statue d’Oscar Wilde à Dublin.
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Au chapitre V du Portrait de Dorian Gray [1] , Dorian qui vient de découvrir Sybil Vane jouant le rôle de Juliette dans un petit théâtre minable de l’East End, et qui en est tombé amoureux, déclare à Lord Harry :
Les femmes ordinaires ne sollicitent jamais l’imagination. Elles restent enfermées dans leur siècle. Mais une actrice ! Quelle différence chez les actrices ! Harry ! Pourquoi ne m’avoir jamais dit que, les seules créatures dignes d’être aimées, ce sont les actrices ?
Wilde a toujours eu le goût du théâtre, et, comme son personnage, il est fasciné par les actrices, qui règnent sur un monde transcendé, proche de son univers intérieur. Tout autant que leur pouvoir de rêve, ce qu’il apprécie chez ces figures romanesques, c’est leur marginalité. À l’opposé de la femme victorienne, confinée par la morale dans le rôle d’épouse et de mère, elles se placent au-delà des convenances et de la respectabilité, mais cette liberté, octroyée par la notoriété, se paye du prix d’une exclusion. Tantôt adulées et tantôt méprisées par une société enferrée dans ses principes, les actrices n’existent que derrière leur masque et sous de fausses lumières, et cette identité fuyante et complexe s’accompagne d’un statut social ambigu, à la fois prestigieux et peu respecté. Comme elles, future victime d’une gloire insolente, peut-être Wilde reconnaît-il en ces icônes vénérées et solitaires son propre exil, dissimulé au cœur même d’une sombre royauté.
Des actrices, Wilde en a connus beaucoup et nous ne nous attarderons pas sur chacune d’elles. Citons au passage Madame Bernard Beere, qui acceptera de jouer le rôle de Vera (dans Véra et les Nihilistes) à l’Adelphi Theatre, projet d’ailleurs avorté, l’américaine Mary Prescott qui créera le rôle aux Etats-Unis où la pièce essuya un échec retentissant, l’actrice polonaise Helen Modjeska qu’il rencontra dans sa jeunesse et qui s’étonna de sa notoriété alors qu’il n’avait encore rien fait « Il parle bien, mais que fait-il ? demanda-t-elle. Il n’a rien écrit, il ne chante pas, ne peint ni ne joue ; il ne fait que parler. », l’actrice irlando-américaine Ada Rehan, et bien sûr, toutes les actrices qui furent les interprètes de ses pièces, et que nous ne citerons pas ici.
Il noua surtout des amitiés avec trois des plus célèbres comédiennes de l’époque : Ellen Terry, Lillie Langtry et Sarah Bernhardt.
Nous parlerons ici très brièvement de la grande Ellen Terry. Contentons-nous de dire, qu’elle était la plus célèbre actrice Shakespearienne de son temps, qu’elle participera à la création du Lyceum Theatre de Londres avec ce monstre sacré du théâtre anglais qu’était Henry Irving avec lequel elle collabora pendant plus de vingt ans. Si vous me permettez d’ouvrir une parenthèse, je vous recommande sur le sujet le roman « Le Bal des ombres » que Joseph O’Connor consacre à la création du Lyceum. Bram Stocker, qui avait épousé Florence Balcombe, la première fiancée de Wilde, en était l’administrateur. On y croise la figure de Wilde que l’auteur ne présente pas sous ses meilleurs traits, mais c’est un excellent roman qui restitue bien la vie théâtrale londonienne de l’époque victorienne et nous fait pénétrer dans l’intimité de ses acteurs les plus célèbres.
Cette parenthèse refermée, à propos d’Ellen Terry, ajoutons simplement qu’entre deux procès, alors qu’Oscar, en liberté sous caution, avait trouvé refuge chez sa mère, il reçut la visite d’une dame voilée qui lui apporta un bouquet de violettes et un fer à cheval pour lui porter chance. Elle fut plus tard identifiée par le fils d’Henry Irving, comme étant Ellen Terry.
Les deux comédiennes sur lesquelles je souhaiterais m’attarder davantage sont une Anglaise, Lillie Langtry, et une Française, sans doute la plus fameuse de son époque, Sarah Bernhardt.
| Lillie Langtry | Sarah Bernhardt |
Lillie Langtry était originaire de l’île de Jersey où son père était doyen. La jeune Lillie (née Emilie Charlotte le Breton) éblouissait tout un chacun par sa beauté et par la transparence de son teint de lys qui lui valut le surnom de Lillie. À vingt et un an, elle épousa Edward Langtry, un riche veuf irlandais qui visitait Jersey sur son yacht, six semaines seulement après l’avoir rencontré. Il va l’emmener à Londres et l’introduire dans la bonne société où elle ne tarde pas à faire sensation. Sa première apparition, en mai 1876, dans les salons de lady Sebright, à Lowndes Square, est une apothéose. C’est peu de temps après cette soirée mémorable que Wilde va faire sa connaissance dans l’atelier de son colocataire, l’artiste peintre Frank Miles. Tous les peintres s’arrachent déjà cette beauté, en particulier John Everett Millais, qui l’a peinte, un lys à la main, et dont la toile, exposée à l’Académie royale, lui vaudra son surnom de Lys de Jersey. Dès leur première rencontre, Lillie tombe aussitôt sous le charme de ce grand jeune homme dont, écrira-t-elle, le visage aux « traits quelconques était racheté par la splendeur de ses grands yeux intenses » [2] . Si elle n’est pas vraiment séduite par son physique, la voix caressante d’Oscar et sa personnalité fascinante, la captivent. Wilde, de son côté est envoûté. Il lui rend visite chaque jour, achetant au marché aux fleurs de Covent Garden, lys ou amaryllis pour les lui offrir en hommage. Très vite, ils deviennent inséparables. La femme la plus recherchée de Londres et le jeune-homme le plus remarqué forment un couple star, la crème des « Beautiful People ». Oscar est amoureux. Il lui écrit des sonnets et promet de lui en composer jusqu’à ses 90 ans. Certains prétendront qu’ils furent amants. Il y eut en tout cas quelques baisers échangés dans les jardins de Londres. Mais Lillie, qui fait peu de cas d’un mari peu encombrant, est devenue la maîtresse du Prince de Galles. Dans ces conditions, l’assiduité d’Oscar devient quelque peu gênante et l’amène parfois à lui condamner sa porte pour se consacrer à son altesse Bertie. Ces disgrâces provisoires, qui le tiennent éloigné de sa muse, affectent profondément Oscar. Ainsi Edward Langtry le trouve-t-il un matin, en rentrant chez lui, pelotonné sur le seuil de sa porte, attendant désespérément sa belle amie !
Hélas, les temps changent pour la glorieuse Lillie. Son mari fait de mauvaises affaires, Bertie finit par se lasser d’elle, et, désargentée, elle se trouve dans l’obligation de chercher une occupation lucrative. C’est encore Oscar qui lui suggère de monter sur les planches et lui conseille un professeur. Ce sera le début d’une brillante carrière, grandement favorisée par sa réputation d’éclatante beauté et par le prestige de ses conquêtes royales.
Ils se retrouveront plus tard en Amérique où Wilde termine sa tournée d’un an de conférences et où elle la commence dans les théâtres. Il l’a attendue, impatient de l’accueillir et de partager leur gloire commune.
C’est encore Lillie qui lui inspirera le personnage de Mrs Erlynne dans sa pièce « L’éventail de Lady Windermere ». Comme elle, Lillie Langtry possède un secret : en mars 1881, la jeune femme, réfugiée à Jersey, a discrètement donné le jour à une petite fille, Jeanne Marie, enfant illégitime - confiée à une nourrice - qu’elle eut probablement d’un séduisant officier de marine, le prince Louis de Battenberg, neveu de son illustre amant, le prince de Galles. C’est cet épisode clandestin qui fournit à Wilde le canevas de sa pièce. Il espérait en l’écrivant que l’actrice accepterait d’interpréter Mrs Erlynne, mais elle s’y refusa, objectant qu’elle ne pouvait tenir le rôle d'une femme, mère d'une fille adulte. Au dernier acte, Wilde reprendra cet argument avec humour, en plaçant presque mot pour mot dans la bouche de Mrs Erlynne les objections de Lilllie Langtry : En outre, mon cher Windermere, comment diable pourrais-je prendre l’allure d’une mère avec une fille adulte ? Margaret a vingt et un ans et je n’ai jamais avoué plus de vingt-neuf ans, trente tout au plus. Vingt-neuf quand il y a des abat-jour roses, trente quand il n’y en a pas.
Pour différentes que furent ses relations avec Sarah Bernhardt, elles n’en furent pas moins intenses, du moins du côté d’Oscar Wilde.
C’est à Folkestone, en1879, qu’il la rencontre pour la première fois. Il est venu l’attendre au débarcadère, les bras chargés de fleurs. À peine est-elle descendue du bateau avec la troupe de la Comédie-Française, qu’il jette à ses pieds les brassées de lys qu’il a achetés pour elle. Geste romanesque et théâtral, destiné à le distinguer de la foule impatiente qui l’entoure, lui, le jeune homme d’à peine 25 ans, qui ne s’est encore signalé au monde que par son esprit et ses excentricités, et que, seule, sa haute taille peut faire remarquer. Le voit-elle ? Peut-être, puisqu’elle écrira plus tard : « Sa tête dépassait toutes les autres têtes ; ses yeux étaient lumineux ; ses cheveux longs ; il avait l’air d’un étudiant allemand ». Mais, traversant le tapis de fleurs piétiné, elle passe s’en s’attarder au milieu des acclamations qui l’accompagnent, vers le train qui doit l’emmener vers Londres et la gare de Charing Cross. Et c’est déjà fini.
Mais finalement, non. Ce n’est que le début de l’histoire. Wilde n’est pas fait du bois dont on fait les admirateurs transis, tapis dans l’ombre de leur idole. Entrainée par Henry Irving, qui fréquente la maison partagée par Miles et Wilde au bord de la Tamise, Sarah viendra à Thames House apposer sa signature sur les murs lambrissés de blanc. Oscar la retrouvera aux soupers qu’Irving organise en l’honneur de la fascinante Française, et où il lui arrive d’être invité. Peu à peu, une intimité se noue. Il lui sert de sigisbée pour visiter Londres, mais contrairement à sa relation sentimentale avec Lillie Langtry, la leur est purement amicale, dénuée de toute connotation amoureuse ou sensuelle. La superbe Sarah, habituée à affoler les hommes, a trouvé en lui un compagnon charmant, à l’esprit étourdissant, attentionné et drôle, qui n’attend pas de partager son lit. Oscar, lui est aux anges : Sarah qui, en jouant Phèdre, lui a fait comprendre « la douceur de la musique de Racine », court Londres avec lui et le traite en familier, elle, la demi-déesse inaccessible. À ses yeux, elle est « une flamme pâle, un mélange de clair-de-lune et de soleil, extrêmement inquiétante et magnifiquement brillante », à l’image de cette princesse décadente qu’il a découverte chez Huysmans et chez Gustave Moreau, la belle et maléfique Salomé.
Ce n’est pas pour elle, pourtant, qu’il va écrire « Salomé », contrairement à l’idée couramment répandue. Il a déjà composé sa pièce quand Sarah lui lance au cours d’un dîner chez Henry Irving qu’il devrait bien lui écrire une pièce. « C’est déjà fait », lui répond Wilde, mystérieusement. Cette pièce, c’est Salomé, qu’il a écrite en français, l’hiver précédent, pendant un séjour à Paris. Et s’il ne l’a pas écrite spécifiquement pour Sarah, il n’en est pas moins vrai que Wilde n’imagine aucune autre femme pour interpréter le rôle de sa petite princesse juive. Sarah a presque cinquante ans, et Salomé est à peine une adolescente, mais le génie de la Française, sa beauté fascinante, sa minceur de liane, sont tout à fait capables de faire des miracles. On sait que Sarah Bernhardt accepta tout de suite de jouer Salomé, après la première lecture, que les répétitions commencèrent au Palace Theatre de Londres, qu’elles furent interrompues trois semaines après leur début, et que la pièce fut interdite sous le prétexte qu’elle mettait en scène des personnages
bibliques. Sarah quitta Londres furieuse. Oscar menaça de s’exiler et de se faire naturaliser français. Et la pièce fut enterrée jusqu’à sa création par Aurélien Lugné-Poe au Théâtre de l’Œuvre à Paris. Mais à cette époque, Wilde était en prison, et Sarah l’avait presque oublié.
Après la catastrophe, alors qu’il n’avait plus un sou, il mandata son ami Robert Sherard pour proposer à la grande actrice l’achat des droits de Salomé pour quatre cents livres. Elle était riche et au faîte de la gloire et il pouvait s’attendre à un geste en souvenir du passé. Mais Sarah tergiversa beaucoup, berça Sherard de belles paroles et ne donna pas suite à la demande de Wilde. Celui-ci ne lui en tint pas rigueur et, en décembre 1898, alors que Frank Harris l’avait invité à passer l’hiver à la Napoule, il se rendit au théâtre de Nice pour aller applaudir celle qu’il appelait affectueusement son « vieux serpent du Nil ». Il racontera leurs retrouvailles émues dans les coulisses, où Sarah se serait jetée à son cou en pleurant. Oscar pleura aussi et, conclut-il, toute la soirée fut merveilleuse. Mais la comédienne ne dit pas un mot de cette scène touchante dans ses mémoires, et peut-être Wilde a-t-il un peu embelli la réalité.
Lillie Langtry eut, elle aussi, la mémoire bien courte. Après la mort d’Oscar, elle prétendit lui avoir envoyé de l’argent pour adoucir ses dernières années, mais il semble qu’elle n’en fit rien. Elle était alors devenue une véritable lady par son remariage avec Sir Hugo de Bathe et ses jours d’amitié avec Oscar n’occupaient plus dans sa mémoire qu’un très modeste emploi.
Wilde, sans rancune, aurait pourtant confié à un journaliste venu l’interviewer à la fin de sa vie : Les trois femmes que j’ai le plus admirées sont la reine Victoria, Sarah Bernhardt et Lillie Langtry. J’aurais avec plaisir épousé l’une des trois.
[1] Roman de la plume d'Oscar Wilde, publie en 1890, qui a suscité de virulents échanges de lettres entre Wilde et plusieurs journaux très critiques. Traduit vers le francais par Daniel Mortier : Le Portrait de Dorian Gray
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[2] Lillie Langtry : The Days I Knew, Autobiography, London, Hutchinson, 1925
Danielle Guérin-Rose
Lectures supplémentaires :
Salome, Oscar Wilde et Sarah Bernhardt : l'evolution de la femme fatale biblique
The God of Carnage, revue de Michele Druon
La revue qui suit est redigée pour ce blog par notre fidèle contributrice, Michèle Druon, professeur émérite à la California State University, Fullerton, où elle a enseigné la langue, la culture et la littérature françaises.*
Jusqu’au 29 mai, le théâtre Odyssey à Los Angeles présente The God of Carnage, une des pièces les plus connues de Yasmina Reza, dont l’œuvre romanesque et théâtrale, écrite en français, est maintenant traduite en 35 langues. Née à Paris de parents irano-russes et hongrois, Yasmina Reza a obtenu de prestigieuses récompenses non seulement en France (où elle a reçu le prix Renaudot pour son roman Babylone en 2016), mais aussi en Angleterre et aux États-Unis.
Le Dieu du Carnage fut originellement présenté à Zurich en 2006, puis en 2008 au théâtre Antoine à Paris, avec Isabelle Huppert dans sa distribution. Traduite en anglais par Christopher Hampton, la pièce est peu après présentée à Londres, où elle obtient le prix Laurence Olivier, puis à Broadway en 2009, où elle reçoit un Tony Award pour la meilleure comédie [1]. En 2011, elle est adaptée au cinéma par Roman Polanski sous le titre Carnage. (Reza a co-écrit le scénario avec le cinéaste).
The God of Carnage est une comédie de mœurs dont le thème central est la violence qui se cache sous les apparences de la bienséance bourgeoise.
Dans un élégant salon où un grand bouquet de tulipes et quelques livres d’art contemporain indiquent un milieu à la fois aisé et cultivé, deux couples de parents (les Novak et les Raley) qui viennent de se rencontrer, discutent de la querelle de leur fils, deux enfants de 11 ans, dont l’un vient de battre l’autre dans la cour d’école et de lui casser deux dents.
La conversation s’amorce par un échange de courtoisies apparemment motivé par le désir de gérer la situation avec le maximum de civilité. Mais le ton monte bientôt avec la question de la responsabilité de l’incident, qui mène à des accusations de plus en de plus acerbes où se dévoilent peu à peu d’autres aspects – peu reluisants - de la vie des participants. Au cynisme de l’avocat Alan Raleigh, qui couvre les méfaits d’une grosse industrie pharmaceutique, répond ainsi – cruauté pour cruauté – le « meurtre » du hamster de la maison par Michael Novak ; éclatent aussi au grand jour les frustrations et la désharmonie qui règnent au sein des deux couples, dont le mariage semble se dissoudre à mesure que de nouvelles alliances, instables, se tissent entre les deux femmes et les deux hommes impliqués.
Une nausée explosive, une frénésie de cris, de pleurs, de fracas d’objets, amènent le conflit à son paroxysme et font éclater les derniers vestiges de bienséance et de civilité chez les personnages. La zizanie qui en résulte est désopilante, mais illustre aussi ce « dieu du carnage » [2] évoqué dans cette farce tragique comme symbole de la sauvagerie qui ressurgit quand tombe le masque des bonnes manières, et que se révèle la brutalité sous-jacente des êtres dans un monde où domine la loi du profit [3].
La pièce est mise en scène avec précision et efficacité par Peter Allas, et interprétée par quatre brillants comédiens : Matthew Downs, Lisa LoCicero, Jack Esformes et Leinani Smith.
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[1] Reza avait précédemment obtenu un autre Tony Award pour sa piece Art en 1994.
[2] L’avocat Alan déclare : « Moi, je crois au dieu du carnage. C’est le seul qui gouverne, sans partage, depuis la nuit des temps »
3) Dans un entretien avec Stefania Saltamacchia en octobre 2021, Reza parle d’une « humanité brutale » et « d’un monde contemporain terrible où on ressent le manque de dialogue ».
Représentations du 13 au 29 mai 2022 : les jeudi, vendredi et samedi, 20h ; dimanche, 14h. Odyssey Theater : 2055 S. Sepulveda Blvd, West LA, 90024.
Réservations & informations : 310 477 2955 ext 2 or www. Onstage411.com/Carnage
Tickets: 45$
* Mme Druon a fait ses études universitaires d'anglais (spécialisation : Littérature & Culture Américaine, Licence) à l'Université d’Amiens, et en Lettres modernes, (Licence, mention très bien), à l'Université d‘Aix-en-Provence. Elle a obtenu son Doctorat en Littérature française à l’University of California at Los Angeles (spécialisations: le Nouveau roman; Théorie et critique littéraire contemporaine; philosophies post-modernes).
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Charlie Chaplin |
Charles Spencer Chaplin, Jr., dit Charlie Chaplin, (1889-1977) est un écrivain, acteur, réalisateur, producteur, scénariste, monteur et compositeur britannique.
Par son jeu de mime et de clownerie, il est devenu l'un des acteurs les plus populaires d'Hollywood où il a réalisé des courts puis des longs métrages qui l'ont rendu célèbre.
Charlie Chaplin fut l'un des personnages les plus créatifs du cinema muet. Sa carrière, qu'il débute dans le music-hall en Angleterre, a duré plus de 75 ans.
Son personnage, Charlot pour les francophones, The Tramp dans les pays anglo-saxons, s'inspire de l'acteur burlesque français, Max Linder (Gabriel-Maximilien Leuvielle). Le personnage créé par Chaplin est aujourd'hui universellement connu : celui d'une sorte de vagabond, dont le chapeau melon, la canne, les chaussures trop grandes, le pantalon tombant et trop large, les cheveux frisés et la petite moustache sont devenus le symbole de l'art cinématographique.
Chaplin débuta sa carrière cinématographique au temps du cinéma muet. [1] Ses films les plus connus sont probablement le « Pèlerin » et les « Temps modernes ». (Parmi les autres citons : Charlot soldat, Le Kid, La Ruée vers l'or, Le cirque, Les lumières de la ville, Monsieur Verdoux et le Dictateur).
Le thème mélodique du film « Les temps modernes », Smile, dont il avait composé la musique, a été repris par des chanteurs aussi divers qu'Elvis Costello, Barbara Streisand, Josh Groban et Michael Jackson. Le frère de celui-ci, Germaine Jackson, l'a chanté lors des funérailles de Michael. Voici la version de Nat "King" Cole :
Chaplin a été marié quatre fois. Sa dernière épouse s'appelait Oona O'Neil [2], [3]. En dépit d'une grande différence d'âge entre les deux époux (lorsqu'ils se sont mariés, il avait 54 ans et Oona O'Neill en avait 18), ils ont eu huit enfants. Elle ne s'est jamais remariée après le décès de Charlie.
| Le couple Chaplin avec leurs premiers six enfants |
Chaplin s'engage politiquement dans certaines de ses œuvres, qui étaient des satires de la société des années 1930. Des films comme Les Temps modernes ou Le Dictateur sont des critiques de la société de consommation et du travail à la chaîne, dans le premier cas, et des régimes politiques totalitaires qui s'installent en Europe, dans le second. Par ces films, Chaplin affirme son engagement politique dans la société de son temps. Charlie Chaplin et sa famille retournent à Londres pour promouvoir le nouveau long métrage, « Limelight » (Les Feux de la rampe), après avoir été accusé de prendre des positions communistes aux États-Unis, en 1952, et avoir figure sur la « liste noire de Hollywood », à l'époque du maccarthisme.Profitant de l'occasion, le gouvernement américain lui interdit de revenir aux États-Unis, en annulant son visa. Il renonce alors à résider aux Etats-Unis et installe sa famille en Suisse, au Manoir de Ban, à Corsier-sur-Vevey, où il vit encore pendant 20 ans et où il sera enterré en 1977. [4 ]
| timbre britannique, 1999 | timbre américain, 1991 |
Parmi les citations que l'on attribue à Chaplin, figurent:
« En gros-plan, la vie est une tragédie, mais, en prise à distance, c'est une comédie »
« Une journée sans rire est une journée fichue »
« L'échec est sans importance. Il faut du courage pour faire l'idiot »
Il existe de nombreuses biographies de Chaplin, tant en français qu'en anglais, dont
Sir Charlie: Chaplin, the Funniest Man in the World », par Sid Fleischman et publiée en juin 2010. Elle s'adresse aux enfants de 9 à 12 ans
British Legends : « The Life and Legacy of Charlie Chaplin (Kindle), publié par Charles River Editors en 2013
My Autobiography », écrite en collaboration avec David Robinson, est parue chez Penguin Classics et, en édition française, sous le titre « Histoire de ma vie », aux éditions Robert Laffont, 2002.
Pour des vidéos, des photos et un quiz sur Chaplin, voir « Charlie Chaplin.biography ».
| Chaplin avec Albert Einstein [5] | ||
| Chaplin avec Mahatma Gandhi | ||
| Chaplin avec Winston Churchill | ||
| Chaplin avec Sophia Loren |
Chaplin Today: Limelight -
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| Pierres tombales de Charlie & Oona Chaplin à Corsier-sur-Vevey | Stèle de Charles Chaplin dans le Parc Chaplin, à Corsier-sur-Vevey |
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[1] Un film sonore est un film muni d'une bande son synchronisée, ou dont le son est techniquement couplé à l'image, par opposition à un film muet. La première projection publique connue de films sonores eut lieu à Paris en 1900. Le «système Phono-Cinéma-Théâtre", fut mis au point par Clément-Maurice Gratioulet et Henri Lioret en France.
Il permit la présentation de courts extraits de pièces de théâtre, d'opéra et de ballet à l'Exposition universelle de Paris en 1900, où de simples films (avec son synchronisé) de Sarah Bernhardt et bien d'autres furent réalisés .. Mais des décennies s'écoulèrent avant que les films sonores ne soient commercialisés. Des innovations dans ce domaine conduiront à la première projection commerciale de courts-métrages en 1923.
Les premiers jalons de la commercialisation du cinéma parlant furent posés vers le milieu et la fin des années 1920. Dans un premier temps, les films sonores incluant un dialogue synchronisé (plus connus sous le nom de « films parlants ») ne furent que des courts-métrages. Les premiers longs métrages avec band son ne comprenaient que la musique et des effets sonores. Le premier long métrage présenté à l'origine comme un film parlant fut "The Jazz Singer", sorti en Octobre 1927. Paradoxalement, c'est un film muet français, « The Artist » qui en 2011 remporte l'Oscar pour le meilleur film de l'année, ainsi battant tous les films concurrents sonores. L'Oscar a été récompensé à Hollywood, le bastion de l'industrie cinématique et le symbole du dessus (au moins commercial) des films américains sur la base des innovations française des frères Lumière, Clément-Maurice Gratioulet et Henri Lioret, qui remontent a l'annee 1900, comme exposé au-dessus. [2] la fille de l'auteur dramatique Eugene O'Neill, prix Nobel de littérature en 1936. O'Neill réprouva le mariage de sa fille avec Chaplin. "Dans la vie, il y a déjà assez de comédie pleine d'ironie comme cela," déclara-t-il.
[3] La fille d'Oona et de Charlie est la comédienne anglo-américaine Géraldine Chaplin (née en 1944). Sa propre fille Oona Castilla Chaplin (née en 1986), de nationalité espagnole, est elle aussi comédienne.
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Trois générations de Chaplin dans les films |
[4] L'auteur britannique, Graham Greene, et l'acteur britannique, James Mason, sont également enterrés dans le même cimetière.
[5]
- C'est vrai, répondit Chaplin. Mais, votre gloire est plus grande encore : le monde entier vous admire, alors que personne ne vous comprend !
Cité dans Les Nouvelles trimestrielles des Anciens de l'OMS, n°91, avril 2013, p.8.
Jonathan G.
Nous sommes heureux de retrouver Elsa Wack, notre linguiste du mois de janvier 2014. Elsa, née à Genève, est traductrice indépendante de l'anglais et de l'allemand vers le français. Titulaire d'une licence ès lettres, ayant aussi fait de la musique, du théâtre et du cinéma, elle aime écrire et sa préférence va aux traductions littéraires.
J’imagine que tout un chacun est persuadé que la musique qu’il a entendue dans les années de ses amours adolescentes est la plus belle qui ait jamais existé et qui existera jamais. Tel est aussi mon cas et la période concernée se situe entre 1968 et 1972. La notion même de groupe était nouvelle et se voulait anti-autoritaire, même si le groupe avait généralement un leader, souvent investi de la fonction mélodique : chant ou guitare solo. L’organiste aussi pouvait être prééminent, il avait une fonction mystique dans des groupes comme King Crimson. C’est l’instrument planant par excellence. Il y a aussi eu des bassistes et des batteurs charismatiques : Paul McCartney, bassiste-chanteur des Beatles, Robert Wyatt, batteur-chanteur-organiste de Soft Machine, Roger Waters, bassiste-chanteur de Pink Floyd. Dans divers groupes, les instruments s’interchangeaient. La batterie a également toujours son côté mystique, soutenant la transe des publics danseurs.
Le groupe était aussi un idéal de communauté à une époque où la communauté familiale s’était réduite à la taille de son noyau (« famille nucléaire »).
En Amérique, le groupe des Beach Boys et son principal élément Brian Wilson faisaient du studio un instrument de musique à part entière et Jimi Hendrix réinventait le solo de guitare, instrument qui dans le jazz avait une fonction plutôt rythmique.
| The Beach Boys | Brian Wilson |
Alors qu’auparavant la santé des artistes était surtout menacée par l’alcool ou les médicaments dérivés de l’opium, cette période a coïncidé avec la propagation des drogues psychédéliques. La consommation de drogues diverses représentait une sorte de rituel initiatique de passage à l’âge adulte et marquait une fracture violente entre générations.
La gloire des groupes pop de cette période a été le plus souvent éphémère. Balayés au fur et à mesure par le « star system », ils ont
connu l’ascension, l’apogée et la dissolution ou le déclin en l’espace de quelques années. Dans Pink Floyd, Syd Barret, le fondateur du groupe, est rapidement devenu schizophrène à la suite de la consommation de LSD, alors que le bassiste Roger Waters a été pris de mégalomanie et de cette autre folie qu’est l’antisémitisme. John Lennon a été tué par un de ses fans, et Robert Wyatt, de Soft Machine, s’est jeté par la fenêtre et a perdu l’usage de ses deux jambes à la suite d’un bad trip d’alcool (ou de LSD selon la légende). En Amérique, Lou Reed et John Cale, du Velvet Underground, vécurent pour ainsi dire le déclin avant l’apogée, puisqu’ils étaient tous deux héroïnomanes dès le départ et se sont sevrés en cours de route.
Les nouvelles drogues se reflétaient dans certains styles de ces musiques : les amphétamines (speed) dans le hard rock généralement rapide et martial de Deep Purple et de Led Zeppelin ; l’acide (lysergique, LSD) et le cannabis dans la pop psychédélique de Pink Floyd, des Beatles, de Soft Machine (improbables précurseurs du jazz-rock). La musique planante de groupes comme Pink Floyd devrait théoriquement refléter l’héroïne, mais en réalité les musiciens du groupe, à ma connaissance, n’en prenaient pas. On parle plutôt d’alcool pour Roger Waters ; quant aux drogues psychédéliques, les membres de Pink Floyd en avaient été vaccinés par la folie où avait brutalement sombré le fondateur Syd Barret. Les héroïnomanes et cocaïnomanes les plus célèbres de cette période restent le bassiste et le chanteur des Rolling Stones, qui sont pourtant d’une grande longévité. Leur batteur Charlie Watts, plus âgé qu’eux et moins porté sur les excès, est décédé en 2021 à 90 ans. La musique des Stones avait toutefois pâti de la mort de Brian Jones, fondateur du groupe, noyé dans sa piscine en 1969 déjà. Il était alcoolique, prenait des amphétamines et des somnifères.
On pourrait croire à lire ces lignes que le monde entier était composé de drogués et d’alcooliques entre 1968 et 1972. Il n’en est rien ; mais c’est le milieu où je naviguais, et tout comme mes diverses amours étaient toutes de cet acabit, les groupes que j’aimais étaient constitués d’anges déchus.
La satire était présente, par exemple, dans les musiques des Kinks et du Velvet Underground, qui jouaient sur les deux tableaux : elles se moquaient de ce qu’elles incarnaient, et de jolies mélodies et harmonies étaient mises au service de l’humour noir et de textes corrosifs.
D’un autre côté, un romantisme exacerbé était présent dans les slows des Moody Blues, de Led Zeppelin et de Procol Harum, pour ne citer qu’eux. Les deux danses types de cette époque, le jerk rapide et le slow, expriment un équilibre nécessaire de toute éternité entre largo et allegro. Alors que le jerk se dansait individuellement, pour le slow, il y avait un aspect « peloteur », et le choix et l’accord du ou de la partenaire étaient cruciaux.
Si le jazz, le blues et le rock étaient des sources ouvertement revendiquées, il ne faut pas sous-
estimer l’influence et l’utilisation de la musique classique, surtout dans la pop anglaise qui a été qualifiée de rock progressif : à témoin les premiers albums de Deep Purple, avant que le chanteur Evans et le bassiste Simper soient éjectés du groupe et alors que l’organiste John Lord laissait encore s’exprimer sa brillante formation classique. Le chanteur et leader de Jethro Tull, Ian Anderson, jouait brillamment de la flûte classique, tout comme l’organiste-chanteur Ian Mc Donald aux tout débuts du groupe King Crimson ; c’était l’époque où un autre chanteur multi-instrumentiste, Greg Lake, en faisait aussi partie. Des groupes comme Pink Floyd et Deep Purple tentèrent l’expérience de se produire avec des orchestres philharmoniques, et les Beatles, sous l’influence de leur arrangeur George Martin, recoururent en studio à divers instruments classiques, comme la trompette dans Penny Lane. Des emprunts à Jean-Sébastien Bach sont à signaler dans la musique des Beatles et du groupe Procol Harum. On pouvait emprunter à gauche et à droite avec une liberté que nous ne connaissons plus aujourd’hui.
Tous ces genres pouvaient se mélanger allègrement sur certains albums d’un même groupe. Les albums étaient de qualité inégale, combinant parfois de longues plages d’improvisation indigeste, quoique favorable au voyage intérieur, à des envolées d’une beauté extraordinaire (Moon in June sur Soft Machine III). Il fallait guetter les perles dans l’océan vaseux. Il arrivait aussi que les seuls morceaux de qualité soient le premier et le dernier de l’album (qui pouvait compter de 1 à 7 titres par face).
Les noms des groupes et les pochettes des disques étaient colorés (purple, crimson, pink…) et auréolés de légende. Pink Floyd ne signifiait pas du tout « flamant rose », comme on a pu le lire dans la presse de l’époque : il est formé des prénoms de deux bluesmen, Pink Anderson et Floyd Council. Procol Harum était le nom d’un chat et veut dire à peu près « chat errant loin ». Beatles est une contraction de beat (mouvement culturel, politique et vagabond) et de beetle, un scarabée. Jethro Tull était le nom d’un noble anglais, inventeur du semoir au XVIIIe siècle. The Soft Machine (La Machine molle) est le titre d’un livre de l’écrivain américain héroïnomane William Burroughs. Moody Blues, selon Wikipedia, fait écho au standard de jazz Mood Indigo de Duke Ellington ; à ne pas confondre avec la chanson Deep Purple, que Léo Marjane avait chantée en français sous le titre « Soir Indigo » et qui inspira le groupe de hard rock. Le nom du groupe Iron Butterfly est un oxymore qui reflète le côté hard/heavy en même temps qu’aérien de leur musique.
Les voix des chanteurs (à cheveux longs) étaient souvent aigües, mais là encore un équilibre s’avérait nécessaire. Dans le Velvet Underground, à l’inverse, la chanteuse de passage Nico plongeait dans les graves. Robert Wyatt (Soft Machine) et Robert Plant (Led Zeppelin) sont des hautes-contre. Dans les Beatles, Paul (ténor) et John (plutôt baryton) avaient de grandes tessitures qui leur permettaient d’assurer parfois une voix de basse. Ringo Starr, qui chantait légèrement faux et ne composait pratiquement rien, était essentiel dans le groupe pour d’autres raisons.
Le mot pop lui-même est riche en connotations : la première qui vient à l’esprit est « popular », populaire, mais pop est aussi proche de bop, un courant de jazz des années cinquante qui faisait la part belle à l’improvisation. Bebop n’en est pas très éloigné, syllabes de chant scat qui ont martelé le rock’n’roll de Gene Vincent, par exemple (be-bop-a-lula). Enfin, on peut penser au coquelicot poppy, cousin du pavot (opium poppy).
Le vinyle des disques que nous achetions alors se rayait, se cassait, mais ne s’effaçait pas – et la musique qui y a été gravée conserve toute sa puissance évocatrice.
Des articles supplémentaires rédigés par Elsa Wack:
Le 31 décembre – l’anniversaire d’un grand chanteur américain
L'article qui suit a été rédigé par notre contributrice fidèle, Elsa Wack, traductrice litteraire, dont les contributions précédentes sont accessible ici, ici et ici.
Chez Brassens, (22.10.1921 - 29.10.1981) les mots viennent avant la musique. Il a appris à les lire, il a vu sa mère d’origine italienne copier des multitudes de textes de chansons. La musique, c’était le genre de carrière qui lui faisait peur pour son fils. Elle lui a refusé des cours. Ce mauvais élève est autodidacte : « Je n’ai eu que mon oreille. » C’est à 18 ans qu’il apprend le piano, avec une méthode, et à 24 ans qu’il reçoit une guitare. Un instrument plus proche pour lui de la chanson italienne (celle dite « napolitaine ») qui marque son style ; pourtant, il compose souvent d’abord au piano.
Les mots viennent en français. Elvira, sa mère, est elle-même née à Sète (autrefois Cette), qui compte une très forte proportion d’Italiens immigrés parmi lesquels baigne (et se baigne) Georges. L’origine d’Elvira est la Sicile ; elle est très pieuse et croyante.
Jean-Louis, le père de Georges, lui, est libre-penseur et anticlérical. Il chante aussi.
| Elvira & Jean-Louis |
Ce mariage d’opposés se retrouve dans la personnalité de Brassens et dans son rapport ambivalent à la religion. Brassens était anarchiste, co-fondateur de l’éphémère « Parti Préhistorique », résolument opposé au confort. Il ne voulait pas d’enfants (« Je ne serais pas capable de m’occuper d’un foyer »), a eu peu de compagnes, généralement plus âgées que lui ; chez Jeanne Planche, à l'impasse Florimont, Paris, où il a vécu 22 ans, il fait ménage à trois avec elle et son mari dans une maison qui reste longtemps sans eau courante, électricité ni gaz, mais peuplée d’innombrables animaux.
À son autre amie de cœur, Joha dite « Pupchen », avec qui il ne vivra jamais, il a écrit la chanson « La non-demande en mariage » :
J’ai l’honneur de ne pas te demander ta main
Ne gravons pas nos noms au bas d’un parchemin
Aux humains, peut-être Brassens préférait-il les animaux (cane, gorille, cheval de ses chansons) et les arbres :
Auprès de mon arbre, je vivais heureux
J’aurais jamais dû le quitter des yeux
Et pourtant Dieu n’est pas absent de ses chansons :
Puis j’ai déchiré sa robe
Sans l’avoir voulu
Le bon Dieu me le pardonne
Je n’y tenais plus
Qu’il me le pardonne ou non
D’ailleurs je m’en fous
J’ai déjà mon âme en peine
Je suis un voyou
Ou encore :
Toi l’Auvergnat, quand tu mourras,
Quand le croque-mort t’emportera
Qu’il te conduise à travers ciel
Au Père éternel
Sans parler de la chanson « Prière », qui reprend le poème « Rosaire » du catholique Francis Jammes (sortez vos mouchoirs) :
Par le petit garçon qui meurt près de sa mère
Tandis que des enfants s’amusent au parterre
Et par l’oiseau blessé qui ne sait pas comment
Son aile tout à coup s’ensanglante et descend
Par la soif et la faim et le désir ardent, Je vous salue, Marie.
Par les gosses battus, par l'ivrogne qui rentre
Par l'âne qui reçoit des coups de pied au ventre
Et par l'humiliation de l'innocent châtié
Par la vierge vendue qu'on a déshabillée
Par le fils dont la mère a été insultée, Je vous salue, Marie
Par la vieille qui trébuchant – sous trop de poids
S'écrie "mon Dieu !" par le malheureux – dont les bras
Ne purent s'appuyer sur une amour humaine
Comme la Croix du Fils sur Simon de Cyrène
Par le cheval tombé sous le chariot qu'il traîne, Je vous salue, Marie.
Sur la même mélodie, Brassens a chanté précédemment un poème du communiste Aragon : « Il n’y a pas d’amour heureux ».
Incroyant ? « Pour la première fois, ce soir, elle me voit chanter », a-t-il dit lors du concert qu’il a donné à Marseille après la mort de sa mère.
Dans les chansons posthumes de Brassens, celles qu’il n’avait pas eu le temps d’enregistrer avant sa mort, et qui ont été interprétées ensuite par son secrétaire artistique, Jean Bertola, il y a « Le Sceptique », où il évoque religion, paradis, chiromancie etc., avec toujours pour refrain :
Je ne crois pas un mot de toutes ces histoires
Mais il ne peut s’empêcher d’ajouter, en guise d’épilogue :
Mais j’envie les pauvres d’esprit pouvant y croire !
Ce sont des alexandrins. La diction de Brassens était belle ; le vers n’est pas toujours coulé dans le moule trop strict qui place la césure au milieu : Brassens casse parfois le rythme sans vergogne, écoutant le sens : « Par la vieille qui trébuchant – sous trop de poids… » ; dans le vers suivant, il appuie sur le « ma » de « malheureux » plutôt que d’accentuer un « le »; ou alors, carrément, il s’autorise un accent sur un e muet – son côté méridional ressort alors (les Provençaux prononcent le « e » en fin de mot) :
Mais les braves gens n'aiment pas que
L'on suive une autre route qu'eux
Non, les braves gens n'aiment pas que
L'on suive une autre route qu'eux
La Mauvaise Réputation
Mais Brassens est loin d’être un anarchiste en poésie, il connaît ses classiques : Verlaine, Valéry et Villon, pour n’en citer que trois. Chez lui, ces fantaisies sont plutôt l’exception, assez fréquente il est vrai, qui confirme la règle. Il manie avec un goût égal l’argot, les mots cultivés et l’imparfait du subjonctif. Il écrit, peaufine, remanie beaucoup ses textes, mais aussi ses musiques.
Dès 1954, il se fait accompagner systématiquement par le contrebassiste Pierre Nicolas, et dès 1972, plus occasionnellement par le guitariste Joël Favreau.
Les mélodies de Brassens et sa rythmique, presque boy-scout, sont le choix de la simplicité, mais recèlent cependant des complexités inattendues pour le guitariste. Le swing et le rythme ternaire du jazz s’y invitent avec une légèreté méridionale.
De mai 1968, il reste absent. Que faisait-il ? « Des calculs », répondra-t-il ironiquement. Une maladie des reins l’a fait souffrir une grande partie de sa vie, muant les derniers concerts qu’il donna à l’Olympia en une sorte de supplice d’où il fallait partir en ambulance ; raison pour laquelle il renonça à se produire dans cette salle (1985 places assises), à laquelle il préféra celle de Bobino (1100 places).
Brassens est mort à l’âge de 60 ans tout ronds, d’un cancer de l’intestin qui s’était généralisé.
Vers 16 ans, il avait dû quitter Sète après de menus larcins. Ses chansons ont été parfois interdites à la radio. Quelles ont pu être ses déconvenues en tant qu’anarchiste ? S’être fait voler sa première guitare ? Le remariage de Jeanne (veuve) avec un jeunet de 37 ans quand elle en avait deux fois plus ? Recevoir le « Grand Prix de poésie, à l’instigation de Marcel Pagnol et de Joseph Kessel ?
En tout cas pas l’abolition de la peine de mort, peu avant la sienne (de mort). Ce fut l’un de ses derniers combats.
Mais peut-être toute cette gloire était-elle un peu lourde à porter pour son tempérament modeste.
Il devait bien se douter que sa « Supplique pour être enterré à la plage de Sète » tenait de l’utopie et qu’on n’enterre pas une célébrité dans le sable :
Cette tombe en sandwich entre le ciel et l'eau
Ne donnera pas une ombre triste au tableau
Mais un charme indéfinissable
Les baigneuses s'en serviront de paravent
Pour changer de tenue et les petits enfants
Diront "chouette, un château de sable"
[…]
Pauvres rois pharaons, pauvre Napoléon
Pauvres grands disparus gisant au Panthéon
Pauvres cendres de conséquence
Vous envierez un peu l'éternel estivant
Qui fait du pédalo sur la vague en rêvant
Qui passe sa mort en vacances
Nous sommes heureux de retrouver Elsa Wack, notre linguiste du mois de janvier 2014. Elsa, née à Genève, est traductrice indépendante de l'anglais et de l'allemand vers le français. Titulaire d'une licence ès lettres, ayant aussi fait de la musique, du théâtre et du cinéma, elle aime écrire et sa préférence va aux traductions littéraires.
La légende auréole déjà la naissance de Billie Holiday. Faut-il croire son autobiographie? Elle y est née d’une mère de 13 ans et d’un père de 15 ans, mais sur les papiers officiels, la mère avait 19 ans et le père, 16.
Cela incite à se méfier de certains passages de l’autobiographie co-écrite par William Dufty, que wikidata donne comme « acteur, auteur et activiste ». Trois ingrédients pour une biographie romancée.
Il faut dire que, dans la vie de Billie, tout y passe et a peut-être besoin d’un coup de peinture rose et d’un zeste de mythomanie : non reconnue par son père, abandonnée partiellement par sa mère, qui travaillait dans des trains ; battue par d’autres mains quand elle (ou était-ce son demi-frère, sur la même paillasse ?) faisait pipi au lit ; violée à 11 ans par un voisin ; école buissonnière, maison de redressement ; prostitution, drogue, re-prison ; alcool ; racisme ; interdiction de chanter dans des cabarets ; mauvaise presse de son vivant, malgré son succès populaire et l’admiration des grands du jazz ; compagnons et maris abuseurs, voire mafieux ; cirrhose, re-drogue ; surveillance policière jusqu’à l’hôpital, où elle passe ses dernières semaines ; agonie à 44 ans.
Beaucoup de choses et de chansons chez Billie Holiday se terminent sur une grande note tragique.
Née Eleanora Fagan, elle se dote d’un nom de scène emprunté à son père, Clarence Halliday dit Holiday, un guitariste et banjoïste de jazz qui joua dans l’orchestre de Fletcher Henderson. Le prénom Billie, lui, est peut-être emprunté à une actrice de cinéma muet, Billie Dove (encore un nom de scène).
Billie était l’idole noire des blancs et l’idole mulâtresse des noirs. Son grand-père du côté maternel était le fils d’une esclave noire et d’un planteur irlandais.
Billie était très belle, avec quelque chose de moqueur et d’enfantin. Elle portait souvent des gardénias dans les cheveux.
Ses premières idoles à elle étaient Louis Armstrong et Bessie Smith. Son ami sans doute le plus fidèle fut le saxophoniste Lester Young, qui mourut peu avant elle.
Elle fut découverte à 18 ans par John Hammond, découvreur aussi de Count Basie, avec qui Billie a beaucoup tourné avant qu’il ne la vire (bien plus tard, John Hammond a encore découvert Bob Dylan et Leonard Cohen).
Elle joua dans l’orchestre de blancs d’Artie Shaw. Là, c’est elle qui partit. Artie avait beau tenter de la défendre contre la ségrégation raciale, elle devait prendre l’ascenseur de service et se maquiller pour paraître plus blanche.
Elle n’apprit jamais à lire des partitions. Sa voix n’avait pas une grande portée ni un registre très étendu. Sa mémoire des textes et sa diction, son phrasé étaient extraordinaires. « Les mots devenaient son expérience personnelle », a écrit Nat Henoff – Billie, pourtant, se voulait plutôt un instrument qu’une voix : Marc-Édouard Nabe, lui, parle de « notes parolisées », et Hammond de son « oreille musicale troublante ». Elle a chanté au moins 350 chansons différentes au cours de sa vie, qu’elle a toutes marquées de son empreinte. Elle n’en avait composé qu’une dizaine. Beaucoup étaient de Duke Ellington. Strange Fruit (d’Abel Meeropol) était un de ses classiques : une chanson sur le lynchage des noirs, ces « étranges fruits » pendus aux arbres.
En fin de vie, Billie était encore transfigurée sur scène.
Je vais m’attarder sur quelques-uns (un ? deux ? trois ?) des textes qu’elle a chantés.
God bless the child
Billie Holiday - Arthur Herzog Jr
Dans son essence, cette chanson est une des compositions personnelles de Billie Holiday. Elle la soumit pourtant au co-auteur Arthur Herzog Jr. Elle voulait parler d’une querelle avec sa mère, dont elle finançait le restaurant mais qui lui avait refusé de l’argent dans un moment difficile. Arthur Herzog chercha à comprendre ce qu’elle voulait dire ; c’est ainsi que naquit la chanson.
Comme Edith Piaf, née la même année qu’elle mais qu’elle ne rencontra jamais, Billie Holiday était catholique – du moins pendant son enfance et trois jours avant sa mort, quand elle reçut les sacrements ; dans cette chanson, elle donne son interprétation d’une parabole biblique particulièrement impénétrable : « Je vous le dis, répondit-il, on donnera à toute personne qui a, mais à celui qui n'a pas on enlèvera même ce qu'il a. » (Évangile selon saint Luc, 19:26)
La « traduction » de la parabole par Billie :
Them that's got shall get
Them that's not shall lose
So the Bible said and it still is news
Mama may have, Papa may have
But God bless the child that's got his own
That's got his own
Yes, the strong gets more
While the weak ones fade
Empty pockets don't ever make the grade
Mama may have, Papa may have
But God bless the child that's got his own
That's got his own
Money, you've got lots of friends
Crowding round the door
When you're gone, and spending ends
They don't come no more
Rich relations give
Crust of bread and such
You can help yourself
But don't take too much
Mama may have, Papa may have
But God bless the child that's got his own
That's got his own
Mama may have, Papa may have
But God bless the child that's got his own
That's got his own
He just don't worry 'bout nothin'
'Cause he's got his own
Cette chanson était l’une de celle que Billie chantait le plus souvent. Cette parabole, manifestement, lui parlait ; elle nous parle aussi, à travers elle et sa voix teintée d’ironie. Billie comprenait ce que certains appellent « l’humour de Jésus ».
(Parabole de Luc en anglais : I tell you that to everyone who has, more will be given, but as for the one who has nothing, even what they have will be taken away.)
Love for Sale
Souvenons-nous que Billie Holiday était fan de Betty Smith qui vivota parfois en chantant des chansons un peu porno (telles Sugar in my Bowl). Ici, Billie chante le destin tragique de celles à qui le « plus vieux métier du monde » est le seul qui s’offre pour échapper à la misère.
Love for Sale (Cole Porter)
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Love for sale Appetizing young love for sale Love that’s fresh and still unspoiled Love that’s only slightly soiled Love for sale Who will buy ? Who would like to sample my supply ? Who’s prepared to pay the price For a trip to paradise ? Love for sale Le the poets pipe of love In their childish way I know every type of love Better far than they If you want the thrill of love I’ve been through the mill of love Old love, new love Everything but true love Love for sale Love for sale Appetizing young love for sale If you want to buy my wares Follow me and climb the stairs Love for sale |
Cœur à vendre Jeune cœur appétissant à vendre Cœur tout frais et bien fichu Cœur à peine un peu déchu Cœur à vendre Qui est preneur ? Mon stock a-t-il un amateur ? Qui est prêt à mett’ le prix D’un voyage au paradis ? Cœur à vendre Oubliez vos poésies Vos gamineries Je connais bien mieux l’amour Que vos troubadours Vous êtes vernis d’amour Moi je suis pétrie d’amour Ancien, récent, Tout sauf le grand amour Cœur à vendre Cœur à vendre Jeune cœur appétissant à vendre Si la marchandise vous dit Suivez-moi, montez ici ! Cœur à vendre |
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You Go to my Head J. Fred Coots, Haven Gillespie Quelques vers de cette traduction ont été repris de celle chantée par Helen Merrill sous le titre « Vous m’éblouissez » |
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You go to my head You linger like a haunting refrain And I find you spinning round in my brain Like the bubbles in a glass of champagne You go to my head Like a sip of sparkling burgundy brew And I find the very mention of you Like the kicker in a julep or two The thrill of the thought That you might give a thought To my plea, casts a spell over me Still I say to myself Get ahold of yourself Can't you see that it never can be You go to my head with a smile That makes my temperature rise Like a summer with a thousand Julys You intoxicate my soul with your eyes Though I'm certain that this heart of mine Hasn't a ghost of a chance In this crazy romance You go to my head, you go to my head |
Tu me montes à la tête et là-haut souvent ton nom tourne en rond comme dans un shaker un cocktail maison avec juste un’ larme un zeste de poison Tu me montes à la tête comme un vin exquis grisant capiteux comme un vol de nuit calme et luxueux par-dessus des rêves vertigineux Je rêve en frémissant que tu daignes un beau jour m'accorder un regard plein d'amour et cette idée me grise bien que je me dise que je peux attendre longtemps Tu me montes à la tête comme un refrain doux un peu obsédant comme l'alcool qui dans mes veines se répand et m'éblouit tout en m'étourdissant Et même si comme je le sais d'avance mon pauvre cœur avec toi n'a pas l'ombre d'une chance Tu me montes à la tête |
Sophisticated Lady
Duke Ellington, Irving Mills & Mitchell Parish
À l’époque où je chantais cette chanson dans la rue, il n’y avait pas d’Internet et j’avais mal noté les paroles d’oreille (dans la version de Jeanne Lee / Archie Shepp), c’est pourquoi un vers ne correspond pas à l’anglais; mais la glace a pris là au fond et je n’ai pas voulu le remplacer.
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They say Into your early life romance came And in this heart of yours burnt a flame A flame that flickered one day And died away Then With disillusion deep in your eyes You learned that fools in love soon grow wise The years have changed you somehow I see you now Smoking drinking never thinking Of tomorrow Nonchalant Diamonds shining dancing dining With some man in a restaurant Is that all you really want ? No Sophisticated Lady I know You miss the love you lost long ago And when nobody is nigh You cry |
On dit Qu’un roman dort sous tes airs de dame Que dans ton cœur jadis une flamme Brûla qui vient qui vacille Encore puis meurt Alors Ton regard plein de désillusion Remet les fous bien vite à leur place, La glace a pris là au fond Ah oui je vois Fumer boire, sans jamais penser Au jour qui vient Nonchalance Or diamants danser dîner en Tête à tête, dans un restaurant C’est ton vœu le plus ardent ? Non Sophisticated Lady je sais L’ancien amour perdu de ton cœur Quand tu es seule en secret Tu le pleures |
(Consulté aussi sur le Net : USA TODAY 100 FACTS about BH)
Lecture supplémentaire :
Strange Fruit - la chanson importante du Mouvement américain des droits civiques
Livre en anglais: Feminist Blues: Choice and Independence in the Songs of Bessie Smith, Memphis Minnie, and Billie Holiday
Livre en français : Billie Holiday : Edition du centenaire (2015)
The United States vs. Billie Holiday - bande annonce du film
New Orleans - extrait du film (avec Louis Armstrong)
Notre nouveau contributeur, John Wellington est un artiste new yorkais qui puise son inspiration dans les œuvres des Vieux Maîtres, les icônes religieuses et populaires, le cinéma et la musique. Il est fasciné par la dévotion, l'idolâtrie et l'utilisation de l'imagerie féminine et masculine dans l'art et la vie. Il a exposé à New York, Los Angeles, San Francisco, Miami, Paris et Londres. On peut voir sa peinture sur le site Web :johnwellington.com
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Huile sur panneau d'aluminium, |
John Wellington dans son atelier |
Nous sommes infiniment reconnaissants à M. Wellington d'avoir accepté de nous donner le point de vue d'un artiste sur Jean-Michel Basquiat, une opinion plus personnelle que celle de n'importe quel critique d'art. Le patronyme Wellington peut évoquer des liens britanniques et le prénom de Jean-Michel peut paraître typiquement français. Pourtant, l'un et l'autre ont grandi à New York. Le père de Basquiat était haïtien et sa mère d'ascendance porto-ricaine. Alors, qui était Jean-Michel Basquiat (1960-1988) ? Un artiste, un musicien et un réalisateur américain qui se fit connaître avec SAMO© [1], une signature de graffiti utilisée de 1977 au début de 1980. Elle accompagnait de courtes inscriptions, tantôt poétiques, tantôt sarcastiques, essentiellement “bombées” dans les rues du bas de Manhattan.[2]
Du graffitisme, Basquiat passa à la peinture sur toile. Il n'était pas aussi connu que son ami Andy Warhol, mais ses œuvres expressionnistes et primitivistes, sur les thèmes du racisme, de l'identité culturelle et de la tension sociale ont été exposées dans des galeries et des musées aux États-Unis et à l'étranger.
Il mourut en 1988 (à 27 ans et il y a 27 ans), d'une surdose d'héroïne et de cocaïne, mais sa renommée demeure intacte. Voici deux exemples de la persistance de sa popularité : - l'exposition “Jean-Michel Basquiat: Now’s the Time”, présentée pendant trois mois, un peu plus tôt cette année, au Musee des beaux-arts de l’Ontario (à Toronto, Canada), première grande rétrospective de Basquiat au Canada, réunissant environ 85 tableaux de grandes dimensions ;
- et la présentation de quelques-unes de ses œuvres à la Galerie Bruno Bischofberger (à Zurich, Suisse) dont le propriétaire était, de leur vivant, l'ami de Warhol et de Basquiat. Warhol, Basquiat & Bischofberger
[1] Signature associée à Jean-Michel Basquiat, dérivée de "same old shit", abrégé en "Same Old" puis en SAMO, tout court.
[2] Downtown Manhattan désigne l'extrémité de l'île de Manhattan, au sud de la 14ème rue.
Traduction de cette préface et du texte qui suit, redigé par John Wellington: Jean Leclercq. Original English version
Basquiat et moi
Lorsque Jean-Michel Basquiat et moi nous sommes rencontrés, à l'été 1975, il n'était pas encore célèbre.
Jean-Michel et mon ami Eric étaient tous deux élèves à la City As School (CAS), une école secondaire pour jeunes qui s'accomodaient mieux d'un cadre éducatif non conventionnel. Avec lui et d'autres élèves de la CAS, nous nous étions retrouvés dans l'appartement d'Eric, surplombant Gramercy Park, avec comme seul but de nous camer. Jean-Michel, son con-disciple Shannon et moi dessinions tous – particulièrement dans le style bandes dessinées – et nous nous montrions nos carnets de dessins. Mais, étant d'une classe en dessous et n'ayant jamais fumé d'herbe, j'étais intimidé par ces types qui me semblaient non seulement plus vieux, mais aussi plus à la mode. Ils pratiquaient également le graffiti, ce qu'à l'I.S.70 (mon école secondaire de l'époque) j'osais faire, mais en crayonnant mes manuels scolaires plutôt que les murs et les couloirs du métro. Deux ans plus tard, Jean-Michel et son copain Al Diaz allaient se faire connaître dans les milieux d'avant-garde en couvrant de leurs formules subversives signées SAMO© les murs du bas de Manhattan.
Notre réunion reste pour moi un souvenir vivace, non seulement parce que j'y ai fumé mon premier pétard, mais aussi parce que nous avons été interpellés par des flics de New York qui nous ont interrogés alors que nous traînions dans Gramercy Park avec de l'herbe et du papier à cigarettes dans les poches. Cela n'est pas allé pas plus loin et ils nous ont autorisés à retourner chez Eric, de l'autre côté de la rue.Ce soir-là devait être celui de ma seule conversation avec Jean-Michel au cours de sa brève existence.
Cinq ans plus tard, en 1980, alors que j'étais en deuxième année à la Rhode Island School of Design, Jean-Michel était déjà devenu une
vedette de la musique et des cabarets branchés avec son orchestre Gray.
Il était connu pour ses formules SAMO©, il jouait son propre personnage, quelque peu romancé, dans le film New York Beat (plus tard rebaptisé Downtown 81), vendait de l'art cartes postales à son idole du moment, Andy Warhol, exposait ses œuvres au novateur Times Square Show, jouait un DJ dans une vidéo musicale Blondie, et se voyait offrir le sous-sol de la galerie Annina Nosei pour peindre les tableaux de sa première exposition en solo.
À l'époque où j'ai obtenu un B.F.A., en 1983, et où suis revenu à New York m'installer à Greenpoint (Brooklyn), Jean-Michel était sorti avec la chanteuse Madonna qui allait vite devenir célèbre, et Radiant Child, le texte qu'avait écrit sur lui le poète René Ricard pour ArtForum, lui avait attiré l'attention du monde de l'art.
avec Madonna avec Warhol
2:52 minutes
Il peignit alors une série d'œuvres à Modène (Italie) et une autre dans un studio de Venice (Californie) que Larry Gagosian avait mis à sa disposition. Sur le plan international, il commença alors à figurer aux côtés des artistes les plus célèbres de son temps. Il avait aussi produit un disque de rap avec Rammellzee et K-Robb et entamé avec son mentor Andy Warhol une collaboration picturale qui allait durer deux ans.
En 1985, alors que j'étais barman dans un restaurant d'Upper Madison Avenue, Jean-Michel faisait la couverture du New York Times Magazine portant un complet Armani (ou peut-être était-ce un Comme des Garçons ?) - ET pieds nus – pour l'article intitulé : New Art, New Money: The Marketing of an American Artist. Depuis cinq ans, il avait produit une œuvre artistique remarquable et acquis une grande renommée. Tandis que Jean-Michel devenait une étoile internationale du monde de l'art, j'essayais d'apprendre les techniques de peinture des Vieux Maîtres dans mon studio de Greenpoint, et j'étais encore tout autant étudiant qu'artiste. Le contraste de nos vies ne m'échappait pas. Qu'un être si jeune puisse apporter au monde de l'art quelque chose de neuf, mais aussi de personnel et de vulnérable, cela me fascinait. Bien sûr, il y avait eu d'autres exemples: Pablo Picasso a peint Les Demoiselles d'Avignon à l'âge de 26 ans, et Egon Schiele, comme Jean-Michel, a affirmé son style à l'aube de la vingtaine. Pour moi qui m'échinais encore à manier le pinceau et à trouver ma trace visuelle, l'art et la vie de Jean-Michel exerçaient une fascination au sens propre du terme.
Bien que nous ne nous soyons jamais retrouvés, j'apercevais Jean-Michel dans des clubs comme l'Area et le Palladium, au milieu des années 1980. Une de mes amies d'université, qui avait eu une TRÈS courte liaison avec Jean-Michel, m'a dit qu'au cours de leur première nuit, à l'arrière d'une limousine et tout en vidant des bouteilles de Moët, il lui avait dit combien il se sentait “usé” par le monde artistique. Un an ou deux après, le 12 août 1988, on le retrouva mort d'une surdose, au dernier étage du loft de Great Jones Street qu'il avait loué à Andy Warhol (mort quelques mois auparavant, en 1987). Lorsque j'appris le décès de Jean-Michel, je travaillais comme coloriste chez Marvel Comics, collaborant à des romans graphiques pour des artistes comme Jean Giraud alias Moebius, peignant à mes moments perdus et entreprenant un cycle MFA à la New York Academy of Art. Jean-Michel avait peint des studios entiers d'un art bien à lui, vécu la vie d'une rock star, et était mort alors que j'essayais encore d'apprendre tout juste à peindre.
Couverture de la bande dessinée Surfer d'argent que John Wellington a coloriée pour Jean Giraud alias Moebius.
Portrait de Jean Giraud à la gouache, réalisé par John Wellington au cours d'un dîner chez l'auteur, en 1998.
Il y a eu beaucoup de jeunes maîtres, mais tant d'entre eux sont morts jeunes – particulièrement à 27 ans, cet âge fatidique pour les rockers. [1] À l'inverse, il y a ceux qui mettent du temps, les “élèves en difficulté”, ces brebis qui gravissent la colline pas à pas, de manière réfléchie. Nous, les élèves en difficulté, avons besoin de ces années de plus pour nous rattraper. J'ai vendu mon premier tableau à l'âge de 30 ans, en 1991, quelques mois avant la naissance de mon fils. Par la suite, j'ai suffisamment vendu pour en faire ma profession. Maintenant, dans la cinquantaine, je peins et sculpte encore presque tous les jours. Au fil des ans, ma vision artistique se raconte et, de temps en temps, j'insère dans mon art une référence à Jean-Michel. Dans ma bibliothèque, j'ai toujours le numéro du New York Times Magazine avec l'article qui lui était consacré. Je ne m'en débarrasserai jamais.
Nous sommes si souvent attirés par ce qui nous ressemble le plus. Pourtant, comme cela arrive aussi souvent, ce qui m'attire en lui est à l'opposé de mon art et de ma vie. Jean-Michel a créé quand il était défoncé, restant éveillé pendant toute une semaine, pour sombrer dans le sommeil pendant la semaine suivante; barbouillant, peignant et exprimant son angoisse, son humour, ses crânes et ses couronnes sur des toiles ou tout autre support qui lui tombait sous la main, et tout cela dès avant son vingt-et-unième anniversaire. Comment aurait-il pu ne pas me fasciner ?
John Wellington --------------------------
["] Inpiré de la Madone noire de l'art haïtien, Wellington a peint une Madone revêtue d'une armure et tenant dans ses bras un petit Jean-Michel Basquiat. “Je ne suis pas un être réel, je suis une légende” avait dit Jean-Michel, un mois avant de mourir, en se comparant à Marilyn Monroe dont il était question dans la chanson A Candle in the Wind d'Elton John et Bernie Taupin. Une couronne dorée est tatouée sur le bras droit du jeune garçon .
[1] Allusion au “Club 27”, réunissant les rockers morts à 27 ans. Parmi eux, Jimi Hendrix, Jim Morrison et Kurt Cobain, récemment rejoints par Amy Winehouse. Curieusement, ces jeunes talents du “Forever 27 Club” n'ont jamais fêté leur vingt-huitième anniversaire !
Lecture supplémentaire:
Basquiat through the Eyes of Fellow Artists on the Street
Brooklyn Street Art, April 2, 2015
‘Basquiat and the Bayou’ and ‘Jean-Michel Basquiat: Now’s the Time’
New York Times, June 25, 2015
Michel Nuridsany évoque la légende Basquiat
Midi Libre, 29/1/2015
Video documentaire: 1:33 heures
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Entretien avec Jean-Michel Basquiat |
[**] John Wellington - Studio Visit (6:51 minutes)
New York Academy of Art © 2013
Elsa Wack, notre contributrice fidèle aux multiples talents, a rédigé l’article précèdent sur ce blog, au sujet de Globi, le personnage de bandes dessinées très populaire en Suisse alémanique et en Allemagne. Cette fois-ci nous profitons de ses connaissances de la musique, dans l’article ci-dessous, dans lequel elle nous présente deux sœurs musicales.
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Elles sont sœurs ; l’aînée est née en Russie et joue du violon ; la cadette est née à Genève et joue du piano.
Maria et Nathalia Milstein ont enregistré en 2017 un disque sur une sonate fictive, la « Sonate de Vinteuil ». Pourquoi fictive ? Parce qu’elle n’existe qu’à l’état d’évocation dans « À la recherche du temps perdu » de Proust. Elle y est une « madeleine de Proust musicale » liée à l’amour de son héros Charles Swann pour une certaine Odette.
Le tempo du disque est souvent lent, l’interprétation douce. La cadette est d’une beauté plus délicate et son instrument est plus grand : un piano extraordinaire. Se ressemblent-elles ? Oui et non. Elles sont en harmonie, ce qui n’est pas toujours évident entre sœurs.
Toutes deux sont des virtuoses plusieurs fois couronnées. Ce disque lui-même est une madeleine de Proust rappelant la « Belle Époque » qui s’étendit de 1880 environ à 1914. C’est en 1913 qu’a commencé à paraître l’œuvre de Proust, et vers 1919 qu’on a commencé à désigner par ce mot de « Belle Époque » ce qui allait rester dans les mémoires, en France et en Europe, comme un âge d’or comparé aux horreurs des guerres et des crises qui suivaient et allaient suivre.
Le disque des sœurs Milstein dégage bien cette atmosphère de Belle Époque : douceur, calme, art de vivre, art tout court. La paix. Pas toujours… On y trouve la sonate de Saint-Saëns en ré mineur op. 75, à côté de la Sonate pour violon et piano de Debussy et d’œuvres de deux autres compositeurs de ce temps : Gabriel Pierné et Reynaldo Hahn. Ce dernier fut l’amant de Proust jusqu’en 1896, puis resta son ami jusqu’à la fin de sa vie.
Les quatre compositeurs ont principalement travaillé en France. La sonate de Saint-Saëns est la seule de ces œuvres à avoir été citée par Proust lui-même comme l’un des modèles de sa « Sonate de Vinteuil ». Elle contient une petite phrase musicale clé, mais tout juste « charmante », disait-il. Il avait beaucoup admiré Saint-Saëns avant de le trouver rétrograde.
Quand j’entends « À Chloris » de Reynaldo Hahn par les sœurs Milstein, c’est aussi un peu de Bach qui résonne en moi. Encore une madeleine de Proust. Maria Milstein a elle-même transcrit la ligne de voix pour le violon.
Les sœurs Milstein ont également enregistré « Ravel Voyageur » : tout un voyage vraiment, avec des échos tziganes, blues, kaddisch et grecs du grand compositeur. Les titres sont disponibles en streaming.
Lectures supplémentaires :
La Sonate de Vinteuil CD review – Milstein sisters play detective in search of Proust's lost phrase.
The Guardian
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Maria Milstein, violon, |
Nous sommes heureux de retrouver Elsa Wack, notre linguiste du mois de janvier 2014. Elsa, née à Genève, est traductrice indépendante de l'anglais et de l'allemand vers le français. Titulaire d'une licence ès lettres, ayant aussi fait de la musique, du théâtre et du cinéma, elle aime écrire et sa préférence va aux traductions littéraires.
Les contributions précédentes d'Elsa Wack à notre blog-soeur Le mot juste en anglais se trouvent ici et celles à notre blog-soeur, CLIO-Histoire se trouvent ici.
Globi est un personnage de bandes dessinées très populaire en Suisse alémanique et en Allemagne, mais pas vraiment en Suisse romande. Ce galopin mi-perroquet, mi-humain, est vieux d’au moins 60 ans, mais le concept n’a pas beaucoup changé : une bande dessinée sur la page de droite, que les petits lecteurs peuvent s’amuser à colorier car elle est généralement en noir et blanc, et des quatrains rimés sur la page de gauche, qui racontent la même histoire. Cent pages par album : voilà l’album « Globi Klassik ».
Le clivage Nord/Sud existe aussi en Suisse, parallèle en miniature de la relation houleuse entre l’Allemagne et la France, la Flandre et la Wallonie, etc. ; sauf qu’en Suisse, ce clivage géographique est doublé d’un Est-Ouest, la partie germanophone se trouvant à l’est. Le Nord(-Est) aime bien le Sud(-Ouest), surtout pour y passer des vacances. Le Sud-Ouest aime bien le Nord-Est un peu à la manière d’un parent pauvre, c’est-à-dire oui et non.
Je vais tenter de vous faire aimer « Globi et Roger », dernier opus de la série. Roger, c’est Roger Federer (Rodge pour les amis), un grand tennisman suisse qui partage la vedette avec Globi dans l’album. Federer est un héros gentil, mais un peu encombré par ses richesses. Le personnage de Globi est plus complexe – partagé entre son côté farceur, fantaisiste et même tricheur, et les bonnes intentions que lui insufflent les divers sponsors des albums – en général, écologie, sport et éducation, qui sont ici abordés avec pas mal de finesse. Globi se sait célèbre, ce qui complique un peu sa lecture en Suisse romande où il ne l’est pas ! Mais sa célébrité, dans cet album comme dans les autres, il doit la reconquérir au fil des aventures, comme le fait un grand sportif au fil de ses tournois.
Pour cet album de Globi, l’équipe des textes et des images a joui, vu la popularité de Federer, de conditions exceptionnelles. La traductrice a disposé de six mois pour l’adaptation française, période que le dessinateur-auteur a pu, lui aussi, mettre à profit pour peaufiner les dessins tandis que le rédacteur suisse-allemand faisait de même avec ses vers ; le tout en défendant parfois leurs choix, soumis à des contrôles attentifs. C’était une sorte de travail d’équipe d’un bout à l’autre de la Suisse, avec également une version anglaise, écrite à Berne et relue à Genève.
Le résultat ? Une histoire amusante, des histoires dans l’histoire ; du tennis, bien sûr, et quelques souvenirs d’enfance de Federer ; un voyage en Angleterre, un autre en Afrique, où les plus éduqués ne sont peut-être pas ceux qu’on pense ; et toutes les caractéristiques traditionnelles des albums de Globi, avec le cycle des saisons et l’apothéose finale de la célébrité reconquise, suivie d’adieux teintés d’un brin de mélancolie.
Cet album connaîtra-t-il le même destin que les précédents dans le monde francophone, où l’on se préoccupe assez peu de bandes dessinées germaniques ? Ou le tennisman suisse, bilingue et très populaire, lui, du côté ouest de la rivière Sarine, attirera-t-il des lecteurs vers la version française ? Les paris sont ouverts, tout comme ceux sur l’issue du grand match de tennis qui oppose les deux héros à la fin de l’histoire.
Lectures supplémentaires :
English as a common language in Switzerland : a positive or a problem?
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Considéré comme le plus grand poète de la Première Guerre Mondiale, Wilfred Owen mourra très jeune, quelques jours seulement avant la fin de la guerre. Tué dans la traversée du Canal de la Sambre, il repose en France, dans la petite commune d'Ors, près de Cambrai.
« Cette plaque commémore la traversée victorieuse de ce canal par l'armée britannique le 4 novembre 1918. Parmi ceux qui y laissèrent leur vie se trouvait le poète Wilfred Owen. »
Son enfance et sa jeunesse
Né le 18 mars 1893 à Oswestry, dans le Shropshire, Wilfred Owen est le fils aîné de Tom Owen, employé des chemins de fer, et de Susan Shaw, issue de la bourgeoisie locale. Cette dernière est une fervente chrétienne d'obédience évangélique. Elle est très soucieuse de respectabilité, mais son père leur a laissé des dettes. La famille consacre beaucoup de temps aux offices et à la lecture de la Bible, des lectures qui marqueront l'imagerie et le vocabulaire du futur poète.
Wilfred suivra les cours de l'École Technique à Mahim. Il y découvre un goût prononcé pour l'étude, et principalement les langues et la littérature anglaise. Il s'enthousiasme pour la poésie et pour John Keats en particulier. Il terminera ses études à l'École Technique de Shrewsbury. Il pourrait devenir instituteur, mais une « expérience le persuade que la vie est ailleurs ».
À 18 ans, les finances familiales ne lui permettent pas d'entrer à l'université. Il lui faut passer un examen d'entrée et obtenir une bourse. Ce n'est donc pas facile… Il part pour Dunsden, près de Reading, pour préparer l'examen d'entrée à l'université auprès du Révérend Herbert Wigan. Ce dernier, qui est chargé de le préparer, oublie vite sa promesse et Wilfred est surchargé de tâches auprès des ouailles de la paroisse et des familles pauvres de la ville. Face à l'illettrisme, la maladie, la misère et l'indifférence des bien-pensants et des nantis, il questionne sa foi. Cette expérience détruira bon nombre de ses convictions religieuses. Il quitte la paroisse en février 1913, après avoir écrit à sa mère : « Le meurtre devait arriver, et j'ai tué mes fausses croyances. ».
Bordeaux
La situation familiale est tendue. Il a réussi son examen d'entrée à l'université, mais n'a pas obtenu de bourse. Il lui faut donc faire autre chose.
À la mi-septembre 1913, il s'embarque pour Bordeaux où il sera d'abord professeur d'anglais à l'école Berlitz, puis précepteur de la fille de M. et Mme Léger, un poste qu'il prendra le 31 juillet 1914, à Bagnères-de-Bigorre. Même si des rumeurs de guerre submergent l'Europe, les sujets expatriés de sa Majesté ne sont pas encore appelés à servir.
Il rencontre Laurent Tailhade (1854-1919) qui a connu Verlaine. « D'emblée l'admiration est réciproque. La fougue du jeune Anglais séduit le vieil esthète. Le statut de l'aîné, poète établi et reconnu, impressionne Wilfred. ». Owen découvre le symbolisme ainsi que la puissance de certaines techniques de versification, comme l'assonance, l'allitération, la rime interne qu'il pratiquera plus tard dans ses propres poèmes.
En octobre 1914, Mme Léger part au Canada, Wilfred doit trouver un nouvel appartement et s'installe à Bordeaux. Il visite l'hôpital de la ville où sont soignés des blessés du front. Même si le poète de la compassion n'est pas encore né, il pense déjà à la défense de la civilisation. En décembre 1914, il décroche un poste de précepteur au service de la famille de la Touche. C'est un poste qu'il gardera pendant une année.
Retour en Angleterre
En mai 1915, il retourne pour la première fois en Angleterre. Il est en mission pour un parfumeur bordelais. Il retournera ensuite en France. En septembre 1915, sa décision est prise. Il retraverse la Manche et, le 21 octobre 1915, il s'engage comme cadet aspirant-officier au 28e London Regiment mieux connu sous le nom d'Artists' Rifles (Fusiliers des Artistes), une unité d'instruction pour officiers. Son séjour à l'étranger lui avait en fait ouvert les portes de cette prestigieuse unité. Il a alors 22 ans.
Le 4 juin 1916, le sous-lieutenant Wilfred Owen est affecté au Manchester Regiment. Le 29 décembre de la même année, il embarque à Folkestone. Le 6 janvier 1917, il rejoint son unité sur la Somme. Entre juillet et novembre 1916, la région dans laquelle il se trouve est fortement touchée par les batailles, le 2e bataillon du Manchester Regiment comble les vides pour remplacer les soldats mis hors de combat. Wilfred Owen reçoit le commandement de la 3e compagnie. Il va alors connaître l'horreur de la guerre de tranchées qui sera aggravée par un hiver exceptionnellement rigoureux.
Le 12 janvier 1917, une sentinelle est mortellement touchée par un éclat d'obus. Très sensible aux douleurs de ses hommes, il en tirera plus tard ces lignes dans The Sentry (La sentinelle) :
« Through the dense din, I say, we heard him shout
'I see your lights!' – But ours had long gone out »
(À travers le tumulte, parole, nous l'entendîmes crier
'Je vois vos lampes !' – Mais depuis longtemps les nôtres s'étaient éteintes.)
Le froid presque sibérien de l'hiver dans lequel il doit rester couché avec le peloton sera un point de départ du poème Exposure (Froid, première ligne) :
« Our brains ache, in the merciless iced east winds that knive us…
Wearied we keep awake because the night is silent… »
(La tête nous fait mal, dans les vents d'est glacés qui sans pitié nous fouaillent…
Fatigués nous veillons, car la nuit est silencieuse...)
Dans la nuit du 15 mars, il fait une chute terrible de plusieurs mètres. Commotionné, il est évacué. Dès qu'il est rétabli, il retourne au front et participe à plusieurs attaques. Le 14 avril, il est soufflé par une explosion. En état de choc post-traumatique, on diagnostique une neurasthénie en mai 1917. On le déclare inapte au service armé et il est envoyé à l'hôpital militaire de Craiglockhart, en Écosse, où il arrive le 26 juin de la même année. Ce séjour changera sa vie de poète tout autant que l'expérience du combat l'a perturbé.
Convalescence et rencontre avec Sassoon
Le docteur Brock qui s'occupe de lui pense que l'exercice et le travail seront le meilleur des traitements. Il incite donc Wilfred Owen à écrire et ravive son goût pour la marche et la botanique. Puis, il se voit confier l'édition de la revue de l'hôpital : The Hydra (L'hydre).
À la mi-août, Siegfried Sassoon arrive à Craiglockhart. Il exercera une grande influence sur Wilfred Owen qui fera tout pour le rencontrer. Sassoon l'aidera à trouver sa voie en lui donnant des conseils sur la forme des vers et le choix des titres de ses poèmes ; il l'incite également à narrer sa propre expérience de la guerre. C'est alors le déclic. Wilfred Owen connaît une période de grande activité créatrice et sa santé nerveuse s'améliore, comme l'avait pensé le docteur Brock. Il écrit une série de poèmes majeurs comme Strange Meeting [1] et Exposure. Il compose aussi Anthem for doomed Youth [2] et Dulce et Decorum Est. Fin octobre, il est déclaré guéri et peut quitter Craiglockhart. Il passe quelques jours à Londres et rencontre Herbert George Wells, Arnold Bennett et Osbert Sitwell.
En mars 1918, le sous-lieutenant Wilfred Owen est muté au dépôt de Ripon. Sa carrière poétique va débuter. Osbert et Edith Sitwell lui demandent quelques poèmes pour leur anthologie annuelle de 1918, The Wheels. Le 10 août 1918, la commission médicale le déclare apte au service armé et le 31 du même mois, il regagne la France pour rejoindre son unité.
Derniers jours de guerre
Après un bref séjour à Étaples, il rejoint les Manchesters à Corbie, près d'Amiens. Le 1er octobre 1918, il prend d'assaut un nid de mitrailleuses à l'est de Joncourt. L'attaque est un succès. Le jour même, il est proposé pour la Military Cross. Le 3 octobre, le bataillon est relevé et va s'installer au sud du Cateau, à l'est du petit village d'Ors. Wilfred Owen est cantonné dans la maison forestière. Le 31 octobre 1918, il écrit à sa mère : « Il n'y a aucun danger ici. S'il y en avait, il sera passé depuis longtemps quand vous lirez ces lignes. ». Il commence sa lettre ainsi : « Très chère Mère, l'endroit où je t'écris à présent, je l'appellerai 'la cave enfumée de la maison forestière…' ».
La maison forestière :
L'heure H de la traversée du canal de la Sambre est fixée au 4 novembre 1918, à 5h45 du matin. L'artillerie tonne. Les 2nd Manchesters se lancent à l'assaut de la position allemande qui se trouve sur l'autre rive. Il faut construire des passerelles flottantes, mais l'opération tourne court. À 8h30, la bataille est terminée. Les rescapés repassent le canal. Mais le sous-lieutenant Owen est déjà mort, tué en franchissant le canal. Il avait vingt-cinq ans, quatre de ses poèmes ont été publiés, une bonne centaine sont encore inédits.
Le 5 novembre 1918, la London Gazette annonce la promotion de Wilfred Edward Salter Owen au grade de lieutenant. Le 8 novembre, le lieutenant Owen reçoit la Croix militaire pour sa conduite exemplaire sur la ligne Beaurevoir-Fonsomme.
La guerre prend fin trois jours plus tard.
Le 11 novembre, alors que les cloches sonnent en l'honneur de l'armistice, le télégramme fatidique que nul ne souhaitait arrive chez les Owen, à Shrewsbury.
Après sa mort
En dehors de sa famille et du cercle restreint de ses amis littéraires, sa disparition passe inaperçue. Sa mère fera graver sur sa tombe :
« Shall life renew these bodies ? Of a truth
All death will he annulf, all tears assuage »
(La vie renaître-t-elle dans ces corps ? En vérité
Elle frappera toute mort de nullité, toute larme d'inutilité)
En 1919, la renommée littéraire commence à poindre, grâce à l'anthologie qu'Osbert et Edith Sitwell lui dédient. Sept de ses poèmes y figurent. L'année suivante, Siegfried Sassoon publie le premier recueil complet de ses poésies, qu'il préface lui-même. La première percée n'aura cependant lieu qu'en 1931, quand Edmund Blunden publie son étude de la version des œuvres accompagnée d'une étude pénétrante.
En 1962, Benjamin Britten utilise neuf de ses poèmes pour son War Requiem, lui rendant ainsi un vibrant hommage. En 1967, Harold Owen, son frère, autorise enfin John Bell a publié sa correspondance, mais non sans avoir procédé à de nombreuses coupures. [1]
Poète de la douleur de deuil, de la détresse et de la désespérance
Publiées à titre posthume, ses œuvres parlent de ses visions de la Grande Guerre. Il fait partie du groupe de la War Poetry, un mouvement littéraire anglo-saxon qui s'inscrit dans cette époque de guerre, de catastrophes humaines, d'élans pacifistes suite aux déferlements de haines et d'atrocités. Considéré comme un « témoin » de la guerre, on retrouve dans ses poèmes et sa correspondance « l'absurdité barbare » de cette guerre. Ses textes touchent les cœurs, non pas par des lamentations, mais par un réalisme lyrique. Il est un témoin car il a été un observateur bouleversé par la souffrance engendrée par la guerre. Le soldat brisé et épuisé, rompu et courbatu, est au cœur de sa poésie. Il fait corps avec « ceux qui meurent comme du bétail » (dans « Hymne à la jeunesse condamnée ») dont voici quelque lignes :
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Anthem for doomed Youth What passing bells for those who die as cattle?
What candles may be held to speed them all? And each slow dusk a drawing-down of blinds. Hymne à la Jeunesse condamnée Quel glas sonne pour ceux qui meurent comme du bétail ?
Quelles chandelles seront tenues pour leur souhaiter bon vent ? |
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Anthem for doomed Youth What passing bells for those who die as cattle? What candles may be held to speed them all? And each slow dusk a drawing-down of blinds.
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Hymne à la Jeunesse condamnée Quel glas sonne pour ceux qui meurent comme du bétail ?
Quelles chandelles seront tenues pour leur souhaiter bon vent ?
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Pour Wilfred Owen, la guerre s'acharne à déshumaniser le combattant. Dans son poème « Mutilés et Malades mentaux », il dénonce le délabrement de l'être humain dans la guerre. On y retrouve un peu les héros des tragédies grecques, des héros au sort tragique. Il semble que, pour lui, l'amour de Dieu et l'amour des hommes ont abandonné le combattant qui se prépare à mourir par amour de ses compagnons. Le soldat est donc prêt à se dévouer pour que la Vie renaisse. Wilfred Owen est à la fois un poète réaliste et visionnaire.
À mesure que le temps passe, l'œuvre de Wilfred Owen perd peu à peu son envahissant statut de témoignage d'époque pour acquérir celle d'un art poétique transcendant l'anecdote pour faire entendre un chant fort, sombre, lumineux lucide et déchirant à la fois. C'est de l'homme qu'il est question, un homme meurtri, humilié, dépassé, nié jusque dans son humanité même.
Dulce Et Decorum Est, autre poème important, fut écrit pendant son séjour à Craiglockhart. Owen s'adressé à sa mère et lui relate l'histoire d'un groupe de soldats « ivres de fatigue » et contraints de se frayer un chemin « dans la gadoue » pour s'abriter des obus qui pleuvent sur eux.
Il commence ainsi :
Bent double, like old beggars under sacks,
Knock-kneed, coughing like hags, we cursed through sludge,
Till on the haunting flares we turned our backs
And towards our distant rest began to trudge.
Men marched asleep. Many had lost their boots
But limped on, blood-shod. All went lame; all blind;
Drunk with fatigue; deaf even to the hoots
Of tired, outstripped Five-Nines that dropped behind.
Pliés en deux, tels de vieux mendiants sous leur sac,
Harpies cagneuses et crachotantes, à coups de jurons
Nous pataugions dans la gadoue, hors des obsédants éclairs,
Et pesamment clopinions vers notre lointain repos.
On marche en dormant. Beaucoup ont perdu leurs bottes
Et s'en vont, boiteux chaussés de sang, estropiés, aveugles ;
Ivres de fatigue, sourds même aux hululements estompés
Des Cinq-Neuf distancés qui s'abattent vers l'arrière
Le réalisme du poète conduit le lecteur pas à pas vers la conclusion à la fois grave et revendicatrice : est-il légitime de poursuivre le mensonge de la gloire et de la beauté de la guerre ?
Isabelle BARTH
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[1] traduction française par Xavier Hanotte
[2] Anthem for Doomed Youth: (2:34 m)
What passing-bells for these who die as cattle?
Only the monstrous anger of the guns.
Only the stuttering rifles' rapid rattle
Can patter out their hasty orisons.
No mockeries for them; no prayers nor bells,
Nor any voice of mourning save the choirs,—
The shrill, demented choirs of wailing shells;
And bugles calling for them from sad shires.
What candles may be held to speed them all?
Not in the hands of boys, but in their eyes
Shall shine the holy glimmers of goodbyes.
The pallor of girls' brows shall be their pall;
Their flowers the tenderness of patient minds,
And each slow dusk a drawing-down of blinds.
[3] Delphi Complete Poems and Letters of Wilfred Owen (Illustrated) Kindle Edition $0.99
Lecture suppleméntaire:
Article de La Voix du Nord en date du 5 avril 2014, en hommage à Wilfred Owen, pour les Commémorations de la Grande Guerre :
La maison forestière d'Ors qui a accueilli Wilfred Owen en 1918
http://www.tourisme-cambresis.fr/maison-forestiere-ors.html
Promenade sur les pas de Wilfred Owen :
The War to end all Wars
BBC News, 10.11.1998
Jour du Souvenir - 11 h, le 11e jour du 11e mois
Le Mot juste en anglais, 10.11.2012
GRAVES, Robert Ranke, Goodbye to All that [Adieu à tout cela], 1929.
WALTER George, The Penguin Book of First World War Poetry (paperback)
Penguin Classics, May 2007
